Arte sostenible
#JuevesDeArteSostenible
Cuaderno de exploración sobre materiales, procesos y Arte consciente.
- Pintar sobre papel piedra: el papel mineral que reinventa la acuarela
- Entrevista a Alicia, creadora de Aletheia Acuarelas: ética, artesanía y sostenibilidad
- Impresión consciente: por qué elegí Impresum para reproducir mis obras
- Pinceles con alma: ¿Es posible un trazo profesional sin crueldad animal?
- De la cocina al lienzo: el arte de pintar con residuos orgánicos
- El carboncillo: un material sostenible en el Arte NUEVO
Pintar sobre papel piedra: el papel mineral que reinventa la acuarela
1. Apertura: marco ético
2. ¿Por qué es una opción de arte sostenible?
3. ¿Cómo se comporta con la acuarela?
4. Honestidad sostenible
5. Reflexión final
Entrevista a Alicia, creadora de Aletheia Acuarelas: ética, artesanía y sostenibilidad
1. Origen
P. Para quienes no te conocen, ¿cómo nació Aletheia Acuarelas? Cuéntanos un poco de tu historia y del momento en que decidiste crear tus propias acuarelas veganas.
R. Aletheia Acuarelas nació de la necesidad de dejar de consumir productos de origen animal.
En 2020, yo llevaba unos 4 años sin tomar carne ni productos derivados y como siempre me ha gustado pintar decidí buscar acerca de los ingredientes que tenía la pintura, concretamente la acuarela. Ahí es cuando descubrí que esta es una de las técnicas que más ingredientes de origen animal tiene.
La miel es muy típica en la formulación de la acuarela, la glicerina es esencial para su humectación y la hiel de buey también es muy usada para la dispersión del agua y los pigmentos. Ahí fue cuando mi mente comenzó a maquinar la posibilidad de hacerme mis propias acuarelas y crear una formulación vegana.
Al principio creaba los colores exclusivamente para mí y así fue cómo empecé a mejorar la formulación, con muchas pruebas y errores. Al subir fotos de los colores a Instagram comencé a ganar seguidores y varias personas me preguntaron si las vendía. Ahí comencé a hacer más unidades y a ponerle nombres a los distintos colores que iba creando, y… ¡hasta hoy día!
2. Acuarela vegana
P. ¿Qué significa para ti el término “acuarela vegana”? ¿Qué ingredientes evitas y cómo seleccionas los materiales para que sean éticos y sostenibles?
R. A las personas que nunca han oído que la acuarela tiene ingredientes animales el término “acuarela vegana” les sonará raro, porque el concepto de vegano se suele aplicar a alimentos, pero nada que ver. El veganismo consiste en evitar ingredientes de origen animal ya sea en la ropa, la comida, cosmética…
En Aletheia Acuarelas yo selecciono y estudio cada pigmento para asegurarme de que no provenga de animales. La formulación de mi aglutinante tampoco lleva ninguno de los ingredientes que he nombrado. El ensayo y error me ha llevado a lograr tener una formulación que permite que la calidad de la acuarela sea profesional, fluya bien y tenga una saturación óptima.
3. Proceso artesanal
P. ¿Cuál fue el mayor reto al desarrollar tu primera fórmula? ¿Hubo algún momento en el proceso que te hiciera pensar: “sí, esto funciona”?
R. La mayor dificultad fue encontrar sustitutos a los ingredientes convencionales que venden en las tiendas de Bellas Artes y combinarlos entre sí y que funcionaran. Ajustar las proporciones de cada ingrediente según el pigmento que usas también es complicado.
En cuanto di con las proporciones que permitían que los pigmentos perduraran en el papel y fluían a la perfección fue cuando me di cuenta de que funcionaba y que era un producto que podía gustar.
P. ¿Qué parte del proceso de fabricación disfrutas más? El molido, la mezcla, la creación del color, la fase de secado... ¿Dónde sientes más magia?
R. Cada proceso es distinto y cada uno tiene su encanto, pero crear los colores tiene para mí un encanto especial. El probar por primera vez a mezclar distintos pigmentos para obtener un color u otro es un momento que me da mucha satisfacción y que realmente lo disfruto.
El vertido, echar capa a capa la acuarela en los godets también es algo que me relaja. Es una tarea mucho más mecánica, pero también me gusta mucho hacerla.
4. Intención creativa
P. Muchos artistas buscan colores especiales. ¿Qué caracteriza a las acuarelas de Aletheia? Textura, transparencia, pigmentos, personalidad…
R. En Aletheia intento hacer acuarelas de todo tipo. Realizo colores básicos monopigmentos y también colores que provienen de la combinación de varios pigmentos con los que obtengo los colores que tengo en mente. Luego en cuanto a efectos, tengo colores normales, flúor, nacarados, holográficos, iridiscentes, camaleón, granulados, con separación…
P. ¿Hay algún pigmento o color que tenga una historia especial para ti? Tal vez uno que te costó perfeccionar, o uno que te emociona cada vez que lo ves?
R. Todos los colores han tenido su trabajo sacarlos, por eso voy a elegir Titán. Que es el único color de toda la tienda que no he formulado yo.
Una tarde mi novio vino al taller y decidió elegir unos cuantos pigmentos a ojo y mezclarlos. El primer intento salió mal, pero con el segundo ambos nos sorprendimos. Salió el color más especial que tengo en tienda, una acuarela con una granulación altísima y con una separación increíble; conforme pintas con este color vas viendo cómo los pigmentos se separan, en el godet parece marrón, pero cuando le pones agua comienza a aparecer el naranja y la granulación del pigmento negro. Una pasada.
P. En un mundo donde prima lo rápido, tú apuestas por lo artesanal, ¿por qué? ¿Qué valor encuentras en trabajar despacio, cuidando cada pastilla?
R. En este mundo de super y sobreproducción, los productos dejan de tener valor porque los produce una máquina y todo se abarata, pero la intención es algo que jamás se podrá producir mecánicamente.
La intención y la imaginación son dos de los últimos resquicios que realmente son exclusivamente nuestros como seres humanos. La diferencia está ahí, lo artesanal toma protagonismo cuando queremos un producto bueno, porque la calidad no solo radica en los materiales que se usan sino en la intención y el trasfondo que posee, la idea que lo precede.
La prisa hoy día se contagia por defecto, la persona que tiene prisa te la quiere transmitir siempre, ya sea de una manera consciente o no, pero está ahí presente. Y creo que esto es muy común en las redes sociales y se transmite de unas artesanas a otras. Durante mucho tiempo he creído que tenía que trabajar rápido y que tenía que dejar mis acuarelas perfectas, como las que hacen las maquinas industriales de las grandes marcas. Pero llevo unos meses trabajando en eso, evitándolo activamente y las pequeñas “imperfecciones” que veo en mi proceso las dejo ahí, para que sea evidente que lo han hecho mis manos.
5. Creación consciente
P. ¿Cómo ves el papel del Arte en el camino hacia un mundo más sostenible? Y dentro de eso, ¿qué lugar crees que ocupamos los artistas?
R. Sinceramente, actualmente el arte está tomando un camino que no es muy esperanzador. Y ya no solo por culpa de la IA y los que la usan mal. Sino también por parte de artistas que están reflejando que el arte se basa en tener kilos de materiales acumulados y pintar exclusivamente con el objetivo de compartirlo en redes.
El Arte nunca ha sido una rama del conocimiento humano muy sostenible. Los productos tóxicos como los disolventes y los pigmentos venenosos han sido un continuo en la historia de la creación artística. Afortunadamente eso hoy día está cambiando y ya se sustituyen pigmentos tóxicos por imitaciones sintéticas inocuas.
Yo por mi parte evito pigmentos procedentes del cobalto, plomo o el cadmio, que son muy comunes, e intento que sean pigmentos sintéticos y si son naturales, que no provengan de animales.
Los ilustradores y artistas tenéis un papel esencial porque sois vosotr@s los que tenéis el poder de elegir los materiales que usáis y seguir una línea más sostenible.
P. Para quienes nunca han probado acuarelas veganas, ¿qué les dirías? Un consejo, una invitación o una idea que te gustaría que se llevaran.
R. La mayoría de las personas que me compran acuarelas no son veganas. Sin embargo, que la formulación sea vegana para ell@s es un extra que embellece el acto de pintar, pero no es la razón principal por la que las compran. La opinión que más suelo recibir es que son muy saturadas y pigmentadas y eso es porque son artesanales. Realmente hace tiempo que siento que el hecho de que sean veganas no definen mis acuarelas, sino que la enriquecen.
Yo suelo puedo decir: ¡prueba y ya me cuentas! Porque con seguridad siento que no se van arrepentir.
P. ¿Qué sueñas para el futuro de Aletheia Acuarelas? Nuevas líneas, colaboraciones, talleres… lo que quieras compartir.
R. En Aletheia Acuarelas sueño con poder seguir ofreciendo este producto tan único poder seguir dedicándome a un oficio tan inusual como este.
Me gusta escuchar las necesidades de las personas a la hora de pintar con acuarela y siempre intento adaptarme y crear nuevas líneas de productos y colores. Este año voy a seguir trabajando en el próximo calendario de adviento de 2026. Otro objetivo que tengo pendiente es sacar una guía, que llevo escribiendo desde el año pasado, sobre el color y los pigmentos; ojalá sea posible finalizarla este año.
¡Muchísimas gracias, Alicia!
Ha sido un placer conocer el alma de Aletheia Acuarelas. Gracias por recordarnos que el Arte puede ser ético, pausado y respetuoso con el mundo que nos rodea.
Si eres artista o amante del color, te invito a descubrir sus creaciones únicas:
Impresión consciente: por qué elegí Impresum para reproducir mis obras
Índice
2) Papeles con conciencia: certificación FSC y 100% reciclados
3) Tintas vegetales y procesos libres de químicos
1. Apertura: marco ético
La sostenibilidad no es un gesto añadido al final del proceso. En mi forma de trabajar, forma parte de la obra desde el primer momento: desde el papel sobre el que pinto hasta la manera en que una imagen llega a otras manos.
Cuando decidí ofrecer impresiones de mis retratos, entendí que la impresión también tenía que estar a la altura de ese compromiso.
No buscaba únicamente calidad técnica. Eso es un mínimo.
Buscaba coherencia.
Me pregunté qué sentido tenía hablar de respeto por la Naturaleza y por las personas si, al reproducir mis obras, delegaba ese proceso en una empresa que no compartiera esos valores.
También descarté opciones rápidas o masivas que priorizan el volumen sobre el cuidado.
La impresión, para mí, no es una copia: es una prolongación de la obra original.
En ese camino conocí Impresum, una empresa especializada en impresión fine art que, además de un alto estándar técnico, incorpora una política clara de responsabilidad medioambiental.
Lo que me llamó la atención no fue un eslogan, sino la forma en que integran la sostenibilidad en su manera de producir: desde los materiales hasta los procesos internos.
A continuación os detallo los aspectos que valoro en su forma de trabajar y su política de sostenibilidad.
2. Papeles con conciencia: certificación FSC y 100% reciclados
El primer paso para una obra sostenible es el papel. En mi búsqueda de la máxima calidad sin impacto negativo, opté por soportes con certificación FSC —que garantiza una gestión forestal responsable— o papeles 100% reciclados. Esto no solo reduce la deforestación, sino que también otorga a cada lámina una textura y un carácter únicos.
3. Tintas vegetales y procesos libres de químicos
Muchas tintas tradicionales contienen derivados del petróleo. En Impresum, las ilustraciones se imprimen con tintas de base vegetal en impresión offset y mediante planchas sin procesado químico contaminante, garantizando un proceso limpio de principio a fin.
4. Energía solar: arte impulsado por el Sol
Uno de los aspectos más innovadores del proceso de producción es el uso de energía limpia. Impresum genera el 80% de su energía mediante placas solares, permitiendo que gran parte de las impresiones se realicen con energía renovable producida en sus propias instalaciones.
5. Residuo 0 y optimización
La sostenibilidad también es eficiencia. Cada pedido se planifica para optimizar al máximo el pliego de impresión, reduciendo el desperdicio de papel al mínimo y fomentando el uso de formatos estándar para evitar mermas innecesarias.
Reflexión · Lo que me llevo:
Elegir cómo imprimir mis obras me obligó a pensar más allá del resultado visual. Me recordó que cada fase del proceso creativo comunica algo, incluso aquello que no se ve.
Trabajar con proveedores alineados con mis valores no es una cuestión estética: es una forma de coherencia personal y artística.
Esta elección forma parte de una manera de entender el Arte como un todo: obra, proceso y responsabilidad.
Seguiré compartiendo en este espacio otras decisiones y proyectos que dialogan con esta misma idea de creación consciente.
Puedes conocer más sobre el enfoque y prácticas de Impresum aquí 👇
Pinceles con alma: ¿Es posible un trazo profesional sin crueldad animal?
1. Apertura: marco ético
Durante siglos, el estándar de oro en la acuarela tuvo nombre propio: marta Kolinsky, ardilla, cerda natural. Eran los pinceles “nobles”, los que prometían una carga de agua excepcional, una punta perfecta y esa famosa “memoria” que devuelve el pelo a su forma original tras cada pincelada.
Pero estamos en 2026. Y en un artista consciente, la pregunta ya no es solo técnica, es también ética. ¿Necesitamos realmente que un animal forme parte del proceso para que nuestro trazo sea profesional?
2. El mito del pelo natural
No es casualidad que el pelo natural dominara durante tanto tiempo. La marta Kolinsky, por ejemplo, posee una estructura microscópica que retiene gran cantidad de agua sin perder elasticidad. La ardilla ofrece suavidad extrema para grandes aguadas. Durante décadas, no existía alternativa que pudiera competir.
Sin embargo, detrás de esa excelencia técnica hay una realidad menos romántica: la mayor parte del pelo natural proviene de la industria peletera o de sistemas de cría y captura donde el bienestar animal no siempre es prioritario.
Aunque algunas marcas aseguren trazabilidad, la transparencia real es difícil de verificar. Para un/una artista que busca coherencia —como el que defendemos en Arte Sostenible— esa contradicción pesa.
3. La revolución de las fibras sintéticas
La gran noticia es que la tecnología ha avanzado de forma extraordinaria.
Las fibras sintéticas de última generación (Toray, Taklon tratado, mezclas técnicas multicapa) ya no son la alternativa “barata” o “de estudiante” de hace veinte años. Hoy están diseñadas con estructuras microtexturizadas que imitan las escamas del pelo animal, mejorando su capilaridad.
Capilaridad inteligente: Las fibras modernas atrapan y liberan el agua de forma controlada, permitiendo degradados largos y aguadas amplias sin pérdida brusca de pigmento.
Nervio y precisión.
Resistencia y estabilidad: No se vuelven quebradizos con el tiempo, soportan mejor el lavado con jabón neutro y mantienen la forma durante años si se cuidan adecuadamente.
En retrato, especialmente trabajando por capas finas y veladuras (como hacemos en Moucha Designs), el control y la estabilidad pueden ser incluso más importantes que una carga extrema de agua.
4. Natural vs sintético: tabla comparativa
5. Durabilidad también es sostenibilidad
Ser sostenible no significa solo evitar el daño directo. También implica consumir menos.
Un pincel sintético profesional, con mango de madera certificada FSC y virola resistente, puede acompañarte durante años. Y cada herramienta que no necesitas reemplazar es un recurso que no se vuelve a extraer, fabricar y transportar.
En mi forma de trabajar, esa coherencia importa. Porque el Arte que habla de conciencia no puede construirse sobre incoherencias invisibles.
Un pincel bien cuidado puede durar décadas. Y eso, también, es un gesto hacia el Planeta.
Una pregunta abierta: La transición hacia un arte más ético no siempre es radical, a menudo es gradual. A veces también implica terminar la vida útil de lo que ya tenemos antes de cambiar. ¿Has hecho ya la transición al Arte vegano? ¿O todavía guardas con cariño algún pincel de cerdas naturales?
De la cocina al lienzo: el arte de pintar con residuos orgánicos
1. Introducción
Cuando la cocina se convierte en estudio.
Imagina esta escena: estás en la cocina, pelando una cebolla o cortando un aguacate. Los restos van directos al cubo de compost… o eso creías.
¿Y si te dijera que ahí mismo tienes un pequeño laboratorio de color?
Muchas frutas, verduras y plantas contienen pigmentos naturales capaces de teñir papel y crear lavados de color sorprendentes. Lo que normalmente consideramos residuos —pieles, cáscaras o posos— puede transformarse en una paleta de tonos suaves, orgánicos y completamente biodegradables.
Pintar con pigmentos naturales no es solo una curiosidad artística: también es una forma de reconectar con procesos más lentos y sostenibles, donde el color nace directamente de la Naturaleza.
2. La ciencia del color orgánico
Los colores naturales presentes en plantas y alimentos proceden de moléculas pigmentarias que cumplen funciones biológicas en la Naturaleza.
Las más comunes son:
— 🔴🟣🔵 Antocianinas: Responsables de tonos rojos, violetas y azules. Se encuentran en frutas, col lombarda o algunas flores.
— 🟡🟠 Carotenoides: Generan amarillos y naranjas intensos. Aparecen en zanahorias, piel de cebolla o calabaza.
— 🟤🟤 Taninos: Crean tonos sepia y marrones. Están presentes en café, té o cortezas.
Cuando hervimos estos ingredientes en agua, el calor libera esos pigmentos y los disuelve en el líquido, creando una tinta natural.
3. Tu despensa como paleta de colores
La cocina puede convertirse fácilmente en un pequeño laboratorio de pigmentos.
Algunos ingredientes sorprenden especialmente por su intensidad cromática:
🧅 Piel de cebolla seca: produce amarillos dorados y ocres cálidos. Es uno de los pigmentos más estables.
🥑 Huesos y piel de aguacate: una de las sorpresas más fascinantes, produce un rosa empolvado suave, casi vintage.
☕️ Posos de café o té: perfectos para crear sepias, tierras y sombras cálidas.
🥬 Col lombarda: un auténtico espectáculo químico, puede generar azules, violetas o verdes dependiendo del pH del agua. Con limón 🍋 → rosado, con bicarbonato → azul verdoso.
4. El proceso básico
Aunque cada ingrediente tiene sus particularidades, el proceso general es bastante sencillo:
Proceso de extracción del pigmento:
—1️⃣ Cocer los huesos de aguacate durante 40 minutos.
—2️⃣ Filtrar el líquido resultante.
—3️⃣ Reducir ligeramente la mezcla.
—4️⃣ Probar el color sobre papel de acuarela.
—5️⃣ Fijar el color. Algunos pigmentos naturales pueden desvanecerse con el tiempo. Para mejorar su estabilidad se puede añadir una pizca de alumbre o un poco de sal. Éstos actúan como fijadores naturales.
5. Conclusión
Trabajar con colores orgánicos cambia la relación con la pintura. No hay tubos listos ni pigmentos estandarizados. Cada extracción es ligeramente distinta.
El color depende de:
🌱— La planta
🌦— La estación
— La concentración
📃— El papel
Este proceso nos recuerda algo esencial: la Naturaleza trabaja a otro ritmo. Y en ese ritmo más lento, casi alquímico, aparece una forma de pintura profundamente conectada con el entorno.
Quizá la próxima vez que peles una cebolla... estés preparando tu próxima paleta de acuarela 🧪🧫🎨
El carboncillo: un material sostenible en el Arte
1. Introducción
En un momento en el que cada vez más artistas buscan crear de forma consciente, algunos materiales tradicionales vuelven a adquirir un nuevo significado.
El carboncillo es uno de ellos.
Sencillo en apariencia, primitivo en su origen, este material encierra una de las formas más directas de dibujo: trazo, gesto y materia.
Pero más allá de su lenguaje artístico, el carboncillo también plantea una pregunta interesante:
¿puede considerarse un material sostenible?
---2. Origen y renovabilidad
El carboncillo se obtiene a partir de madera, generalmente de especies como el sauce o la vid.
Se trata de recursos naturales renovables, que en muchos casos proceden de podas agrícolas o cultivos controlados.
Algunas variedades, como el sauce, permiten ciclos de crecimiento continuos: tras cada corte, la planta vuelve a brotar, generando nuevas varas sin necesidad de replantación.
♻️ Este tipo de aprovechamiento convierte al carboncillo en un material estrechamente ligado a procesos regenerativos.
Además, existen productos con certificaciones como FSC (Forest Stewardship Council), que garantizan una gestión forestal responsable.
---3. Proceso de fabricación
✅️ El carboncillo se produce mediante un proceso llamado pirólisis: una combustión sin oxígeno que transforma la madera en carbono.
✅️ En su forma más pura, no requiere aglutinantes ni aditivos químicos.
✅️ No hay disolventes, ni procesos industriales complejos.
✅️ Solo materia vegetal transformada por el calor.
Algunos fabricantes han desarrollado sistemas de producción más eficientes, reduciendo emisiones y optimizando el uso energético.
---4. Comparación con otros materiales
Frente a otros medios artísticos, el carboncillo presenta ciertas ventajas desde el punto de vista ambiental:
— 🌿 No requiere extracción minera intensiva como el grafito.
— 🌿 No utiliza disolventes en su aplicación.
— 🌿 Es biodegradable y seguro para el entorno.
Estas características lo sitúan como una opción interesante dentro de una práctica artística más consciente.
---5. Matices importantes
Como cualquier material, el carboncillo no está exento de impacto.
📌 El transporte, la producción a gran escala o el origen de la madera pueden influir en su huella ambiental.
📌 Por eso, la procedencia sigue siendo clave.
📌 Elegir materiales con trazabilidad o certificación es una forma de reforzar esa coherencia.
---6. Reflexión final
Crear de forma consciente no consiste en encontrar el material perfecto.
Sino en entender de dónde viene, cómo se produce y qué lugar ocupa dentro de nuestro proceso.
Porque, al final, también los materiales forman parte de la historia que estamos contando.
Una pregunta abierta: ¿habías pensado alguna vez en el origen de los materiales que utilizas para crear? ¿Crees que cambiar la forma de mirar los materiales puede transformar también tu manera de pintar?
Comentarios
Publicar un comentario